A Bienal de Arte de Veneza se aproxima e, como em poucas ocasiões no calendário cultural global, a cidade italiana volta a assumir um papel central na discussão contemporânea sobre arte, linguagem e sociedade. Entre 9 de maio e 22 de novembro de 2026, a 61ª Exposição Internacional de Arte ocupa não apenas os espaços tradicionais, como os Giardini e o Arsenale, mas também se expande por igrejas, palácios e instituições históricas, criando uma cartografia viva que convida o visitante a percorrer Veneza com outro ritmo e outra atenção.
Sob a curadoria de Koyo Kouoh, a edição deste ano propõe um deslocamento sutil, porém significativo. Em vez de privilegiar gestos grandiosos ou narrativas espetaculares, o tema “In Minor Keys” direciona o olhar para as forças discretas que atravessam o cotidiano. São camadas quase imperceptíveis que moldam emoções, comportamentos e dinâmicas sociais, refletindo também sobre as fragilidades do planeta. A proposta se traduz em uma Bienal que exige presença e sensibilidade, onde o impacto não está necessariamente no imediato, mas na permanência da experiência.
Nos pavilhões centrais, a multiplicidade de abordagens revela um cenário artístico interessado em tensionar narrativas estabelecidas. Representando a Grécia, Andreas Angelidakis apresenta “Escape Room”, uma instalação que articula arquitetura, performance e teoria em um ambiente imersivo. Ao revisitar a alegoria da caverna de Platão, o artista constrói um espaço que atravessa diferentes tempos históricos e referências políticas, convidando o visitante a refletir sobre como construímos e consumimos versões da realidade. A experiência é ao mesmo tempo conceitual e sensorial, reforçando a capacidade da arte de reconfigurar percepções.
Paralelamente à Bienal, Veneza se transforma em um circuito ampliado de exposições que dialogam com o evento principal. Na Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Hernan Bas apresenta “The Visitors”, uma mostra que reúne mais de 30 obras inéditas. Com um olhar atento e irônico, o artista constrói personagens que transitam por cenários turísticos e simbólicos, criando uma narrativa que mistura humor, melancolia e crítica social. Sua obra captura a tensão entre desejo e deslocamento, revelando nuances do comportamento contemporâneo em contextos globalizados.
Na Basílica de San Giorgio Maggiore, Barry X Ball investiga a relação entre tradição e inovação ao trabalhar com materiais historicamente associados à escultura clássica, como o mármore, e reinterpretá-los por meio de técnicas contemporâneas. Em “The Shape of Time”, suas obras revisitam iconografias religiosas e históricas, mas com uma abordagem que enfatiza a transformação da matéria e do significado ao longo do tempo. O resultado é um conjunto que dialoga com o passado sem se prender a ele, estabelecendo novas possibilidades de leitura.
No Palazzo Loredan, Sanya Kantarovsky apresenta uma exposição que combina pintura, cerâmica e escultura, incluindo uma peça desenvolvida em parceria com um ateliê de vidro de Murano. Sua linguagem figurativa, marcada por personagens vulneráveis e situações ambíguas, introduz um humor sutil que convive com certa inquietação. O ambiente do palácio, com sua atmosfera histórica, intensifica a experiência e cria um contraste interessante entre espaço e narrativa.
Entre os pavilhões nacionais, a presença de Lubaina Himid no pavilhão britânico reforça a potência da pintura como ferramenta de investigação histórica e cultural. Em uma série de obras de grande escala e cores intensas, a artista propõe reflexões sobre pertencimento, memória e identidade, explorando o que define um lugar como lar. Sua abordagem combina elementos narrativos e visuais que estimulam uma leitura sensível e crítica.
Na Fondazione Prada, a exposição que reúne Arthur Jafa e Richard Prince se destaca pela construção de um diálogo entre dois artistas que, à primeira vista, operam em registros distintos. A curadoria evidencia como ambos se apropriam de imagens da cultura visual contemporânea para criar novos significados, revelando tensões, contradições e narrativas ocultas. O resultado é uma investigação incisiva sobre a circulação e o poder das imagens na sociedade atual.
Já no pavilhão dinamarquês, Maja Malou Lyse apresenta um projeto que articula arte, ciência e provocação. Ao abordar a queda global da fertilidade masculina, a artista questiona o impacto das imagens e dos estímulos visuais sobre o corpo humano. Sua instalação, que inclui uma obra em vídeo de grande escala, propõe uma reflexão desconfortável e necessária sobre os limites entre desejo, biologia e cultura contemporânea.
Encerrando esse percurso, a artista indiana Nalini Malani apresenta uma instalação imersiva que combina animações e paisagens sonoras em uma narrativa que revisita mitos clássicos sob uma perspectiva contemporânea. Ao reinterpretar a história de Orestes, Malani propõe uma reflexão sobre violência, memória e justiça, especialmente a partir da experiência feminina. Sua obra cria um ambiente envolvente que convida o público a permanecer e absorver suas múltiplas camadas.
Ao longo de toda a cidade, a Bienal de Veneza reafirma sua capacidade de transformar o espaço urbano em um território de experimentação e descoberta. Entre deslocamentos, encontros e sobreposições de narrativas, o evento revela uma edição que valoriza a atenção aos detalhes e à complexidade do presente. Em vez de respostas imediatas, oferece perguntas que permanecem, ecoando muito além dos canais de Veneza.
